El collar de Judith: Entrevista con estílista y diseñadora Paula Ayala Rodríguez

Paula Ayala Rodríguez

 Caminando el rastro de Madrid un domingo este verano pasado, un grupito de los de 11personas Kulturforum encontraron a Paula, adornada con un collar que nos llamó la atención por su diseño y singular belleza de diseño; despues de tomar fotos y hacer introduciones, empezamos una trato amistoso con ella. Este “style spotting” y meetin del destino ha llevado a Paula a ser parte del proyecto KLIMT:  Artista del Alma como la creadora de un collar que se inspira en la prenda pintada en el cuadro Judith por Gustav Klimt.  Yo tendre el honor y placer de llevar esta prenda puesta durante la parte cantada del espectaculo.  La pintura y la figura de Judith como símbolo emblemático de la femme fatale es parte de la temática del proyecto multidisciplinario que 11personas Kulturforum debuta este noviembre del 2012 en Madrid.

Recientemente tomé la oportunidad de charlar con Paula y hacerle algunas preguntas e intercambiar impresiones:

Para mi la Judith sería una modelo perfecta del fotógrafo Helmut Lang, y claro una mujer por la cual Thierry Mugler se inspiraría…que crees tu sobre el personaje de Judith, tal como la ha pintado Klimt? que cosas visualmente crees que la imagen nos dice o transmite?

Judith podría ser la inspiracion de muchos diseñadores que como Klimt prefieran mujeres agresivas y diferentes, y muchos lo desearían pero mueren en el intento por pacatos. Visualmente en el cuadro de Judith a lo primero que los ojos me van es a ese rostro tan habílmente enmarcado por esa decoración dorada, ese pelo profundamente oscuro y el fantástico y excesivo collar, un rostro elevado y altivo con una expresión demoledoramente desafiante triunfadora y perversa, que deja en segundo plano lo que tiene entre sus manos, la cabeza de quien asediaba a su pueblo.

Klimt, Judith (1901)

Conoces una contemporanea o moderna “Judith”? en persona, en la faraundula?

Realmente sí he conocido gente que podrían asemejarse a Judith, pero más bien diría que son una versión descafeinada…

Cuentanos sobre tu proceso creativo con el collar de Judith…

Mis procesos creativos son muy “sui generis”, todo depende de muchos factores y circunstancias. Para este proyecto lo primero es estudiar bien las formas y a la vez concretarlo con la existencia de materiales existentes que permitan materializarlo (lo cual es j******** complicado).  Una vez conseguido esto, una pequeña parada para la parte más técnica, la preparación del tejido en el bastidor, y después a trabajar con los materiales. En este punto muchos se preguntarán donde está el proceso del dibujo de los prototipos… Aquí es donde yo no tengo ortodoxia. Dejo a mi     instinto y mis manos trabajar…

Cuéntame sobre tus pasados proyectos, tu trayectoria, etc…

Mi trayectoria empieza como estudiante de Bellas Artes, especializacion por dibujo, al terminar la carrera comenzé a aprender patronaje y sastrería en mi ciudad con un profesional de lo mejor que he conocido en mi vida, con él estuve casi tres años.  Cuando tuve la oportunidad me vine a Madrid a trabajar, realicé todo tipo de trabajos relacionados con mi oficio, patronista, costurera, sastra en un musical, y diseños y realizaciones de vestuario para danza.  Hace tres años conocí a un bordador y me entró el gusanillo y empecé a trabajar con él, y curiosamente encuentro a Emilio (aunque más bien me encontró él a mí) que me pide una pieza para su proyecto de Klimt, relacionado con esta actividad.

Diseño de Paula Ayala Rodríguez

Que est tu relacion personal con la moda?

En cuanto a mi relación con la moda, si tengo que ser sincera la moda en sí misma no me importa demasiado, nunca la he seguido muy seriamente;  tengo unos gustos muy particulares que no encajan con los de la mayoria, y si aprendí a cortar y a coser en parte fue porque lo que deseaba de verdad nunca estaba en las tiendas.  Yo experimento con mis propias prendas y peleo con ellas sin saber lo que voy a conseguir y que es lo que más me satisface;  creo que ya he mencionado que puedo ser muy poco ortodoxa con los métodos pero así también he conseguido realizar trabajos impactantes.

Tienes algun sueno o proyecto fantasía que todavia te queda por realizar?Los sueños o proyectos que quiero realizar no caben en una habitación de 2×2.

Creadora de moda, complementos y sombreros inspirados en el estilo retro, Paula Ayala Rodríguez vive en Madrid.

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Bach y el baile oriental no tan distanciados en el sentimiento puro del arte

Pianista Emilio González Sanz y Cristiane Azem en la obra “Musa” , solo piano con obras para la mano izquierda y bailarina oriental en el Espacio de Ronda, Madrid, 16 de Septiembre, 2012. Photo por Myriam Soler.

Aeterna Musica, una asociación cultural creada en Madrid para la promoción de la música libre e inspirada, con especial atención en la música clásica. tuvo el gran honor de contar con un extraordinario concierto para la mano izquierda a cargo de Emilio González Sanz. Ataviado con un bello quimono, esta vez contó con una insuperable “musa”, Cristiane Azem.

Emilio González Sanz es un excelente pianista por muchas razones.
Una de ellas por enfrentarse a un programa de concierto para la mano izquierda no exento de enormes dificultades y combinarlo con músicas de Bach y del Romanticismo; otra, por mantener un concepto de interpretación basado en un exquisito fraseo, debido a su gran trayectoria profesional como intérprete y al exhaustivo conocimiento que tiene del instrumento.
Para terminar, por atreverse con nuevas propuestas estéticas. Su vestuario, la ambientación de la sala y, principalmente, la colaboración con la extraordinaria bailarina de danza oriental Cristiane Azem nos ha elevado de nuestros asientos y ha hecho que todo el recital haya generado una atmósfera de conmoción y belleza que difícilmente olvidaremos. Bach y Oriente, una curiosa conjunción donde el contrapunto bachiano deviene movimiento.
Emilio planteó en este concierto una serie de obras para la mano izquierda. Le interesan los retos, de entre ellos mantener un repertorio que, afortunadamente, cada vez está más presente, aun a duras penas, en nuestras salas de concierto. Un repertorio que Emilio conoce e investiga a través de una meticulosa búsqueda.
Los Bach sirvieron de exquisito aperitivo y cierre, todo con una mano, y el Romanticismo de Scriabin y Alkan se reflejó en unas versiones muy trabajadas, no exentas de enormes dificultades técnicas, principalmente en la Gran Fantasía en La bemol Op. 79 de Alkan, todo un ejercicio de vértigo virtusosístico.
Las lecturas de Chopin (Estudio Op. 25 n. 7 y el Nocturno de Do sostenidomenor) fueron fieles y contundentes, sin intermediarios: sólo Emilio y sus manos, en este caso ambas, en el piano… Y unos cuencos tibetanos en el suelo.

Foto por Myriam Soler

Francisco M. Quirce,  realizó estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y es Arquelólogo de formación; en la actualidad es editor especializado en la didáctica de la música y del arte, y gestor cultural y artístico.

Interview with Madrid based artist and illustrator Sergio del Toro/Entrevista con Sergio del Toro

Poster for KLIMT: Artist of the Soul by Madrid based artist and illustrator
Sergio del Toro

Madrid based artist and illustrator SERGIO DEL TORO recently designed the poster for KLIMT: Artist of the Soul that will be used as the official image for the show.  I recently asked Sergio some questions about the design of his poster, his artistic inspirations and recent trajectory.

What was your biggest attraction towards the project KLIMT: Artist of the soul?

The project fell on my lap by chance; I had finished an illustration and shown it to Emilio (González Sanz), and he spoke to me about the project, and above all, how it was all developing, how each of the persons involved “arrived”, and he proposed that I be part of the collective.  It was impossible to say no, and not be part of such a beautiful dream, with so many persons involved, each putting forth something marvelous; it is an honor for me! and to be honest, the time had come in which I truly needed it, I’m so happy to be here, with Klimt.

What are the qualities that most attract you to Gustav Klimt?

The mysterious and melancholic air that envelops his works, the drawings, the paintings, the posters.  The force, the colors; because “woman” forms a part of his being, he traps us in her curves, the fabric; its like entering in one of his spirals, and not being able to find an exit, it traps you with each emotion, as we await to receive “the Kiss”, the “The Embrace”, or “The Wait”.

What was your process in designing the poster for KLIMT: The artist of the Soul?

I didn’t want to make a copy of something that already existed, of the painter or his technique, but to capture what he transmits, and to be able to bring it forth as needed to represent this project.

I had total liberty and I produced many versions.  I know a great deal of Klimt’s work, and wanted to transmit  with a mandala his spirit and essence, which goes much further than the five senses. I kept turning it in my head, but nothing convinced me and I remained blocked.

I stopped and I visualized it all:  how the project had come to me, how all the elements were being born to make this multi-disciplinary project come true; and I started visualizing that it was like the branches of a tree, of a grape vine that spirals and finally gives fruit; someone said to me afterwards that it looked like DNA spiral, which in an of itself , has an air of mystery.

I let his tree of life materialize and it came into being all by itself.

Blancanieves by Sergio del Toro

Tell us a little bit about your trajectory as an artist.

I have always been afraid, and have deep respect for the word “Artist”. It seems like “big” title, and I’m a small person! hahaha.  Since childhood I would go around drawing upon any object I found in my path, even underneath the table! Until one day my sister’s high school text book on the  history of art fell into my hands, and I memorized it.

I did my studies in graphic publicity at the School of Art in Grand Canary, and later in illustration at the same school; after winning an illustration contest for a marketing poster, I moved to Madrid; there I took courses in the school “Estudios Superiores de Diseño”. I collaborated in various projects with my illustrations, including for the website for the movie “Seis puntos sobre Emma” by the director Roberto Pérez Toledo and the art expo “Cartográfica Madrid Diseña”. I’m always inventing some story to go with my works, generally a character in particular, with everything that surrounds that character, as if it was a person that I actually know.

L’empreinte des beaux jours…           by  Sergio del Toro

Do you have a personal system of symbols that take on a life of its own in your work?

I let myself be carried away by the things I feel, and I take my inspiration from other artists, as I am very curious and I am always searching for things, or letting myself be surprised by things that come to me that I have not sought out. This is what I try to transmit.

I get lost in music, movies or books, and I let things come to me by themselves, and I try to transmit this via clean and clear designs, in which there is always space or light, or sometimes upon a white background, although this is not what takes center stage in the work. I seek to make or create this part of me that many times I keep to myself.

Serenity, peace, calm…

I let myself by carried away.

What are your fantasy projects?

To find work, hahaha, but I think this is a project that many people are looking for, but leaving all that aside, my goal is to continue drawing and creating, and see to where it leads me. The rest would be more like dreams rather than projects.

But I await them, and I will receive them with joy.

Are you involved in any other facet of the arts, music?

No, I write silly things or some small stories that gets lost around there in a letter…and I confess that I would love to learn to play the guitar, but not any kind, a blue guitar.

Sergio del Toro lives in Gran Canaries, but dreams with Alice in Wonderland and with the Wizard of Oz…..
http://www.facebook.com/zzezio
http://www.flickr.com/photos/sergio_del_toro/

 

EN ESPAÑOL

Cual fue tu atraccion hacia al proyecto KLIMT: Artista del alma?

El proyecto casi llegó a mi por casualidad, tras un dibujo que había realizado, Emilio habló conmigo me contó cómo iba a ser el proyecto y sobre todo como se había ido desarrollando, como había ido llegando cada una de las personas que en él participan y me propuso ser parte de él también. Era imposible decir que no, y no formar parte de un sueño tan bonito como este con tanta gente involucrada cada uno aportando algo maravilloso en él. ¡Es todo un honor para mi!

Y siendo sincero, ha llegado en un momento en que de verdad lo necesitaba, estoy muy ilusionado de estar aquí, con Klimt.

Cuáles son las cualidades que más te atraen al pintor Gustav Klimt?

El aire misterioso y melancólico que envuelve sus obras, los dibujos y pinturas, los carteles. La fuerza, el color, como la mujer forma parte de él, atrapándonos en sus curvas, en sus telas, es como entrar en una de sus espirales y no poder salir de ella, te atrapa en cada sentimiento esperando recibir “El Beso” o “El abrazo tras “LA espera”.

Make-believe Land by Sergio del Toro

¿Cual fue tu proceso para diseñar el poster de KLIMT Artista del alma?

No quería hacer una copia de algo ya existente, no tal cual es el pintor, o su técnica, solo captar lo que él transmite, poder plasmarlo de acuerdo con todo el proyecto.

Tenía total libertad, y realicé muchos bocetos, conozco gran parte de la obra de Klimt y quería transmitir en un “Mandala” parte de su espíritu, de su esencia porque va más allá de los sentidos. Pero no dejaba de darle vueltas a un mismo tema y me bloqueé, nada me convencía.

Me paré un poco y lo visualicé todo, como había llegado el proyecto a mi, como estaba naciendo todo lo que conformaba el concierto multicreación y lo visualicé como las ramas de uno de sus árboles, como los sarmientos de una vid hasta dar frutos, como se iba expandiendo en espirales, y casi como alguien me dijo a posteriori como el ADN, siempre misterioso.

Dejé que su árbol de la vida se hiciera presente y casi apareció solo.

Forever Amy,  by Sergio del Toro

Cuéntanos un poco de tu trayectoria como artista.

Siempre le he tenido miedo y respeto a la palabra “artista” se me hace grande y yo soy pequeñito jeje. Desde pequeño siempre andaba dibujando en todo lo que encontraba, incluso debajo de alguna mesa, hasta que llegó a mi un libro de Historia del Arte que mi hermana tenía que usar en bachillerato, creo que me lo aprendí de memoria.

Realicé los estudios de Gráfica Publicitaria en la Escuela de Arte Gran Canaria y posteriormente los de Ilustración en la misma escuela y tras ganar un concurso de ilustración y de un cartel publicitario, me trasladé a Madrid y allí cursé los Estudios Superiores de Diseño. He colaborado en varios proyectos con mis ilustraciones, cómo en las ilustraciones para la página de la película “Seis puntos sobre Emma” del director Roberto Pérez Toledo o en la exposición “Cartográfica Madrid Diseña”. Siempre ando inventándome alguna historia en mis trabajos, generalmente con un personaje en particular y todo lo que le rodea, como la gente que conozco.

Tienes alguna simbología personal que cobran vida en tus obras?

Me dejo llevar muchas veces por lo que siento, a veces tomo inspiración de otros artistas, soy muy curioso y siempre ando buscando cosas o dejándome sorprender por lo que me llega sin ser buscado. Eso es lo que intento transmitir.

Me pierdo en la música, las películas o los libros y dejo que las cosas lleguen solas, intentando transmitirlo, en diseños limpios, claros, donde siempre haya espacio o luz, o donde muchas veces el blanco, aunque no esté cobre protagonismo. Plasmando esa parte de mi que muchas veces me guardo.

Serenidad, paz, calma…

Me dejo de llevar.

She lived alone, except for a nameless cat, by Sergio del Toro

Cuáles son tus otros proyectos “Fantasia”.

Encontrar un trabajo jeje, creo que es un proyecto que ahora busca mucha gente, pero bueno dejando eso de lado, continuar dibujando y creando y ver hasta donde se puede llegar. Lo demás tal vez sean más sueños que proyectos.

Pero los espero y recibiré encantado.

Estas envuelto en otras ramas de arte, música o interpretación?

No, escribo pequeñas tonterías o alguna historia minúscula que se pierde por ahí en el sobre de una carta

Y confieso que me encantaría aprender a tocar la guitarra, pero no una guitarra cualquiera, sino una guitarra azul.

The poetry of Chopin in Sound and Dance

Emilio González Sanz and Cristiane Azem interpret Chopin’s Nocturne in D# minor, September of 2012 at the Museo de Romanticismo of Madrid. Video by Andrés Amorós.

The figure of Danae by Patricia de Andrés

One of the Gustav Klimt’s most well-known painting  is inspired in Greek mythology, an  unusual theme within the body of work by  this Viennese painter.

Danae was Acrisio´s daughter; the Oracle prophesized that Danae´s son was  to kill King Acrisio and for this, the King locked her in a bronze tower under the watchful eye of an old woman.  Acrisio, however, was not able to prevent Danae from being seduced by Zeus, who came to her as a shower of gold and engendered the undesired son. The newborn child would be named Perseus; he was to become the legendary founder of Mycenae and of the Perseid dynasty of Danaans. He was the first of the heroes of Greek mythology whose exploits include defeating various archaic monsters, which in turn provided the founding myths of the Twelve Olympians.

This painting is a typical representation of Klimt’s stylized eroticism, and portrays the subject of Danae,  a popular theme in the history of painting and essayed by Correggio, Rembrandt, and Titian.

Danae, 1530, Corregio

 

 

Danae and the shower of gold, 1554, Titian

Danae, 1636, Rembrandt

Danae is seen as a symbol of divine love, transcendence, and sensual beauty.

Klimt avoided the classical references of the Renaissance and Baroque  by presenting us a young and completely isolated Danae, without spatial reference, surrounded by decorative and sumptuous clothes that frame her curvaceous body.  The position of Klimt’s Danae accentuates the feeling of eroticism, with its rounded shapes; the usage of golden color increases and accentuates the idea of the  female nude as a decorative object; meanwhile, her eyes are closed, her lips slightly parted, and the girl definitely looks aroused.  By positioning the model with a raised leg, this painting pays tribute to Titian’s series of paintings of the same name; in my recreation of this hallmark painting for the performance of KLIMT:  Artist of the Soul, this was an element that I sought to preserve in my recreation based on the painting by Klimt.  The chromaticism of Klimt is absolutely inimitable; his use of golden backgrounds is a famous characteristics and look that has made his paintings well known world wide.  Because of this, I avoided using these elements in my drawings, looking for a new eroticism based on the contrast among textures and different light points.

The use of the colors black, white and red is a constant that I will keep in all of the drawings related to KLIMT: Artist of the Soul;  this aesthetic choice has its origin in a monologue from the play “Salome” by Oscar Wilde which I quote below:

“I am amorous of thy body, Iokanaan! Thy body is white, like the lilies of the field that the mower hath never mowed. Thy body is white like the snows that lie on the mountains of Judaea, and come down into the valleys. The roses in the gardens of the Queen of Arabia are not snow white as thy body. Neither the roses in the garden of the Queen of Arabia, the garden of spices of the Queen of Arabia, nor the feet of the dawn when they light on the leaves, nor the breast of the moon when she lies on the breast of the sea. There is nothing in this world so white as thy body (…)

It is of thy hair I am enamoured, Iokanaan. Thy hair is like clusters of grapes, like the clusters of black grapes that hang from the vine-trees of Edom in the land of the Edomites. Thy hair is like the cedars of Lebanon, like the great cedars of Lebanon that give their shade to the lions and to the robbers who would hide them by day. The long black nights, when the moon hides her face, when the stars are afraid, are not so black as thy hair (…)

It is thy mouth that I desire, Iokanaan. Thy mouth is like a band of scarlet on a tower of ivory. It is like a pomegranate cut in twain with a knife of ivory. The pomegranate flowers that blossom in the gardens of Tyre, and are redder than roses, are not so red. The red blasts of trumpets that herald the approach of kings, and make afraid the enemy are not so red. Thy mouth is redder than the feet of those who tread the wine in the wine-press. It is redder than the feet of the doves who inhabit the temples and are fed by the priests. It is redder than the feet of him who commeth from a forest where he hath slain a lion, and seen gilded tigers. Thy mouth is like a branch of coral that fishers have found in the twilight of the sea, the coral that they keep for the kings! It is like the vermilion that the Moabites find in the mines of Moab, the vermilion that the kings take from them. It is like the bow of the King of the Persians, that is tainted with vermilion, and is tipped with coral. There is nothing in the world so red as thy mouth. Suffer me to kiss thy mouth. I will kiss thy mouth, Iokanaan. I will kiss thy mouth.”

Danae, 1907, Klimt

Danae, 2012 Patricia de Andrés (unfinished)

Articulo en Español

Una de las más famosas obras de Klimt se halla inspirada en la mitología griega, una temática muy inusual en las creaciones del pintor vienés.

Dánae era hija del rey Acrisio. El Oráculo había anunciado que el hijo de Dánae mataría al rey, por eso, Acrisio la encerró en el interior de una torre de bronce bajo la vigilancia de una anciana. Sin embargo no pudo ser capaz de evitar que Dánae fuera seducida por Zeus el cual, bajo la forma de una lluvia dorada engendró al hijo no deseado. El recién nacido se llamaría Perseo, el legendario fundador de Micenas y de la dinastía de las Perseidas. Fue uno de los primeros héroes documentados de la mitología griega cuyas hazañas relativas a las derrotas de varios monstruos ancestrales contribuyeron al establecimiento de los mitos sobre los Doce Olímpicos.

Esta pintura corresponde con una representación típica del estilizado erotismo de las obras de Klimt e ilustra el tema de Dánae el cual ha sido recurrente a lo largo de la historia de la pintura, habiendo sido tratado antes por maestros como Correggio, Rembrandt y Tiziano.

Dánae es el símbolo del amor divino, de la trascendencia y de la belleza sensual. Klimt evitó las referencias clásicas del Renacimiento y Barroco presentándonos a la joven Dánae completamente aislada, sin ninguna referencia espacial, rodeada de decorativas y suntuosas telas que enmarcan su curvilíneo cuerpo.

La postura de Dánae acentúa el erotismo y las formas redondeadas y el color dorado ayuda a incrementarlo convirtiendo de esta manera el desnudo femenino en un objeto decorativo. Mientras que sus ojos están cerrados sus labios se abren ligeramente mostrándola completamente extasiada.

Posicionándola con la pierna levantada, esta pintura hace homenaje a la serie de pinturas de Tiziano sobre este mismo tema y es un elemento que quise conservar en mi recreación de la obra original de Klimt.

El cromatismo de Klimt es absolutamente inimitable, el uso de sus fondos dorados es una de sus más relevantes características que lo han hecho mundialmente reconocido, por eso evité el uso de estos elementos en mis dibujos, buscando una nueva interpretación de ese mismo erotismo basada en el contraste de texturas y de juegos de sombras logrados con diferentes puntos de luz.

El uso de los colores negro, blanco y rojo es una constante que estoy manteniendo en todas las ilustraciones de este proyecto y tiene su origen en un monólogo de la “Salomé” de Oscar Wilde:

“¡Iokanaán! Estoy enamorada de tu cuerpo. Tu cuerpo es blanco como el lirio de un prado que nunca fue segado. Tu cuerpo es blanco como las nieves que reposan en las montañas, como las nieves que reposan en las montañas de Judea y descienden a los valles. Las rosas del jardín de la reina de Arabia no son tan blancas como tu cuerpo. Ni las rosas del jardín de la reina de Arabia, del jardín perfumado de la reina de Arabia, ni los pies de la aurora que caminan sobre las hojas, ni el seno de la luna cuando reposa en el seno del mar… Nada en el mundo es tan blanco como tu cuerpo (…)

Son tus cabellos la causa de mi amor, Iokanaán. Tus cabellos parecidos a racimos de uvas negras de las viñas de Edom, en el país de los edomitas. Tus cabellos son como los cedros del Líbano, como los grandes cedros del Líbano que dan sombra a los leones y a los malhechores que quieren ocultarse durante el día. Las largas noches negras, las noches sin luna, las noches en que las estrellas se ocultan temerosas, no son tan negras como tus cabellos. Nada en el mundo es tan negro como tus cabellos (… )

Es tu boca la causa de mi amor, Iokanaán. Tu boca es como una cinta escarlata sobre una torre de marfil. Como una granada cortada por un cuchillo de marfil. Las granadas que florecen en los jardines de Tiro y son más rojas que las rosas no son tan rojas como tu boca. El rojo griterío de las trompetas que anuncian la llegada de los reyes y amedrantan al enemigo no es tan rojo como tu boca. Tu boca es más roja que los pies de los que pisan el vino en los lagares. Es más roja que los pies de las palomas que habitan en los templos y son alimentadas por los sacerdotes. Es más roja que los pies del hombre que viene de un bosque donde ha dado muerte a un león y ha visto tigres dorados. Tu boca es como una rama de coral que han

hallado unos pescadores en el crepúsculo marítimo y que reservan para los reyes. Tu boca es como el bermellón que los moabitas encuentran en las minas de Moab y que les es arrebatado por los reyes. Tu boca es como el arco del rey de los persas, pintado de bermellón y con cuernos de coral. Nada en el mundo es tan rojo como tu boca… Déjame besar tu boca.”